Quién fue Eleanor Rigby

Paul McCartney siempre sostuvo que Eleanor Rigby era un personaje ficticio, pero un documento de 1911 parece demostrar que este personaje que inspiró a los Beatles para dedicarle una canción en 1966 realmente existió. Se trataba de una criada que trabajó en el hospital de la ciudad de Parkhill y que cobraba un salario de 14 peniques.

El documento, que se subastará próximamente en la galería Idea Generation de Londres y cuyo precio se espera que supere los 600.000 euros, está en propiedad de Annie Mawson, quien dirige la ONG Sunbeams Music Trust, dedicada a ayudar con la música a niños con dificultades de aprendizaje. Mawson recibió ese documento directamente de alguien que trabajaba en la oficina de McCartney después de que ella escribiera al músico para contarle cómo había ayudado a un niño autista a tocar al piano su Yellow Submarine.

"Escribí a Paul McCartney en 1990 -explica Mawson- para decirle que trabajaba en una escuela especial en Cumbria. Uno de los alumnos era autista, pero una de sus obsesiones eran los Beatles. Conseguí ganarme su confianza y logré que (el niño) interpretara al piano Yellow Submarine, lo que hizo que lograra la medalla de plata del Príncipe de Edimburgo".

"Fue conmovedor ver cómo aquel niño salía de su aislamiento, y quería que Paul McCartney lo supiera. Al mismo tiempo yo quería fundar mi propio centro, y le pedí medio millón de libras, pero mi carta llevaba ya once cuartillas, escribí: En realidad, Paul, no quiero dinero. Sólo quiero que sepas la alegría que causaste". Según Mawson, meses más tarde recibió una carta de respuesta con un logotipo que indicaba que venía de la oficina de McCartney y que contenía ese documento de 1911.

Cuando McCartney fue entrevistado tras la publicación de Eleanor Rigby en 1966, el beatle explicó que tomó el nombre de Eleanor de Eleanor Bron, que trabajó con los Beatles en la película Help!, de Richard Lester, y Rigby, de una firma de Bristol dedicada al comercio de vino, Rigby & Evens. Pero en los años ochenta se descubrió una lápida con el nombre de Eleanor Rigby en el cementerio de la escuela de San Pedro, de Woolton (Liverpool), al que solían ir de adolescentes McCartney y John Lennon para tomar el sol.

La Eleanor Rigby real había fallecido en octubre de 1939 a la edad de cuarenta y cuatro años, pero a diferencia de los seres solitarios de la canción de los Beatles, había estado casada. Paul McCartney ha negado siempre que se inspirase para su canción en el nombre de esa lápida aunque en cierta ocasión reconoció que tal vez lo hubiese registrado su subconsciente.

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Los cócteles de las estrellas

Cosmopolitan, el cóctel de "Sexo en Nueva York" Sin duda, si el cóctel Cosmopolitan se puso de moda entre las mujeres durante los 90, fue por la gran popularidad que ganó gracias a la exitosa serie de Sarah Jessica Parker, Sexo en Nueva York. Sus protagonistas se reunían frente a cuatro glamurosas copas de exquisito cóctel meintras hablaban sin tapujos de sexo, relaciones y amor. Sin duda, la bebida perfecta para amenizar una noche de "chicas". ¡Apúntate la receta y siéntete libre de hablar como Carrie y sus amigas! Receta Ingredientes: 4 centilitros de vodka, 1,5 centilitros de cointreau, 1,5 centilitros de zumo de limón exprimido y 3 centilitros de zumo de arándanos. Elaboración: Mezcla todos los ingredientes con hielo y sírvelos en un vaso de martini helado. Si quieres, adórnalo con una rodajita de limón para darle un toque más chic. Vodka Martini, el cóctel del Agente 007 Si como a su protagonista te gusta

"Mezclado, no agitado", estarás a un paso más de sentirte como una auténtica agente de incógnito. 
El cóctel que James Bond hizo tan popular por su particular forma de tomarlo es muy sencillo y refrescante. No olvides servir tu Vodka Martini con una aceituna que adorne tu vaso mientras tomas nota mental de todo lo que sucede a tu alrededor. Ya sabes, ¡un agente secreto nunca baja la guardia! Receta Ingredientes: 5,5 centilitros de vodka y 1,5 centilitros de vermú seco. Elaboración: Mezcla los ingredientes en un vaso frío. Añade unas gotas de zumo de limón y adorna si lo deseas con una aceituna.
Cóctel de Champagne, el chispeante cóctel de "Casablanca" La romántica historia entre Ingrid Bergman y Humphrey Bogart en Casablanca se veía aderezada por un burbujeante y dulce cóctel de champagne, mientras en secreto rememoraban su pasado más íntimo. Si quieres despertar la pasión del primer día, esta es tu bebida perfecta. Toma nota y quédate con la receta de este delicioso cóctel y recuerda: "siempre nos quedará París" Receta Ingredientes: una cucharadita de azúcar, dos o tres gotas de Amargo de Angostura, un chorrito de brandy o coñac, champán, una guinda roja, y una cáscara de limón o naranja. Elaboración: Añade primero azúcar, después las dos o tres gotas de Amargo. Un chorrito de brandy, y por último, llena la copa con champán. Decóralo con una guinda roja y una cáscara de limón o de naranja.
Manhattan, el cóctel prohibido de la Ambición Rubia En la película Con faldas y a lo loco, una bellísima y despampanante Marilyn Monroe improvisaba en secreto un cóctel Manhattan en bolsas de agua caliente en las literas de un tren rumbo a Florida, bajo la atenta mirada de Tony Curtis. El cóctel perfecto para infringir las normas y ser un poco traviesa, como la rubia más deseada de todos los tiempos. Receta Ingredientes: 5 centilitros de whisky, 2 centilitros de vermú rojo y una gota de Amargo de Angostura. Elaboración: Mezcla bien los ingredientes y añádelos sin hielo a una copa de Martini fría. Adórnalo con una cereza o una guinda y ¡listo! Vodka-tonic, el cóctel de "Lost in Translation" Una melancólica Scarlet Johanson tomaba un vodka-tonic mientras intentaba encontrar consuelo en la gran ciudad de Tokio y su camino se cruzaba inesperadamente con el de Bill Murray, en la película de Sofia Coppola Lost in Translation. Un cóctel para disfrutar y compartir buenos momentos con verdaderos amigos. Receta Ingredientes: dos partes de vodka, cuatro partes de tónica, zumo de limón y hielo picado. Elaboración: Llena un vaso alto con hielo. Luego añádele el vodka y la tónica. Por último, agrega unas gotitas de zumo de limón y mezcla el cóctel. Puedes poner una rodajita de limón para adornar y dar un sabor más intenso.
Ruso blanco, el dulce cóctel de "El Gran Lebowski" El ruso blanco era el cóctel de sobremesa favorito de "The dude", el protagonista de la película El gran Lebowski. Pero también ha estado presente en varias películas y series, como Catwoman o Girls. Una bebida dulce y especial que no te costará nada hacer y que será la delicia de tus comensales tras una suculenta comida. Receta Ingredientes: 5 centilitros de vodka, 2 centilitros de licor de café, 3 centilitros de nata y hielo. Elaboración: Coloca el hielo en un vaso ancho y bajo. Vierte el vodka y el licor de café. Para terminar, agita la nata antes de echarla y añádela al cóctel. Remuévelo todo lentamente y, si lo deseas, puedes poner un poquito de nuez moscada.

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El top 5 de los emperadores romanos más corruptos

No son todos, los hubo buenos y respetables. Pero éstos son algunos de los emperadores romanos más corruptos y no deja de sorprender que sus hechos fueran públicos y que trascendieran. 

Tiberio (Año 14 al 37)

El emperador Tiberio, según cuentan algunas fuentes históricas, fue un pedófilo de lo más imaginativo. En su retiro en la isla de Capri, al señor le gustaba nadar dentro de grutas con grupos de muchachos ataviados como pececillos, que le “mordisqueaban en sus partes” mientras nadaba. A lo largo de su mandato, Tiberio vio desaparecer con una serie de oportunas muertes a todos aquellos aspirantes a arrebatarle su mandato.
Sobre su afición a los jovencitos, es posible que los rumores fueran exagerados por senadores enemigos y por el biógrafo sensacionalista Suetonio.

Calígula (37 al 41)

Calígula fue un exhibicionista sádico. Se acostaba con sus tres hermanas, que luego obligó a prostituirse. Con actores, con grupos de prostitutas baratas, etcétera; en ocasiones prohibía a muejres de la nobleza a las que había vioaldo que se acostaran después con otro hombre, pues debían sentirse muy honradas. Loco de remate; nombró cónsul a su caballo; estaba convencido de que era el rey de lso dioses, Júpiter; declaró la guerra al dios del mar, Nepturno y recogió conchas marinas a modo de trofeos.
Se le acusaba de alardear de acostarse con las mujeres de sus súbditos, de matar por pura diversión, de provocar una hambruna al gastar demasiado dinero en la construcción de su puente, y de querer erigir una estatua de sí mismo en el Templo de Jerusalén con el objeto de ser adorado por todos.

Nerón (54 al 68)

Perverso polimorfo. Se acuesta con su madre, Agripina, y después ordena que la asesinen a puñaladas; mató a patadas a su esposa embarazada, Popea; se casó con dos actores, uno de los cuales, Sporus, fue castrado para que le sirviera de “esposa”.
Otro loco de atar; los crímenes carnales no se compensan con su amor al arte y la poesía de Grecia. Al ser asesinado, expiró gimiendo: “¡Qué gran artista muere conmigo!”.

Cómodo (180 al 192)

Voyeur infantil. Le gustaba ver copular a su harén privado de trescientas chicas y trescientos chicos; les ponía nombres de órganos sexuales; eligió a su brazo derecho, Onos, porque tenía el “miembro viril más grande que la mayoría de animales”.
Su vida sexual fue menos conocida que su costumbre de aparecer como gladiador en la arena, a veces contra hombres discapacitados armados solo con esponjas… todo un hombreton el señor Cómodo.

Heliogábalo (212 al 222)

Travestido de instintos asesinos. Llegó al poder cuando tenía catorce años, aparecía como mujer en comparecencias públicas; se casó con el esclavo Hierocles; representaba pantomimas lascivas en las que el marido lo descubría en la cama con otros hombres y se veía obligado a pegarle; trabajó como prostituta en burdeles de Roma, con grandes elogios de los clientes.
Aun dejando margen para la exageración, la mera locura es difícil de superar. Convencido de que era el dios Helios, mandaba cortar los genitales a muchachos a los que arrojaba al fuego expiatorio; asfixiaba a invitados a cenar con pétalos de rosa; recurrió a cirujanos de Roma para que lo castraran y crearan una vagina pero canceló la operación de cambio de sexo en último instante.  Fuente: tejiendoelmundo

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Lorenzo de Médicis, mecenas

«Ezio, gracias por el rol que has desempeñado para mantener con vida este sueño mío por un tiempo más.» ―Lorenzo de Médicis a Ezio Auditore[fte] Lorenzo de' Medici (1 de enero de 1449 – 9 de abril de 1492), conocido históricamente como Lorenzo de Médicis, apodado Il Magnifico (El Magnífico), fue un noble florentino perteneciente a la Dinastía Real de los Médicis y que se convirtió en gobernante de facto de la ciudad en 1469, heredando el cargo de su abuelo, Cosimo. Como príncipe de la República Florentina, Lorenzo instauró un gobierno con tendencias populistas que resultaron ser demasiado controversiales para sus homólogos en otras partes de Italia, particularmente el papado. Los fines demagógicos impulsaron a Lorenzo a que respaldara una corriente artística y científica que involucraba al pueblo sin importar la distinción social. Estas decisiones le ocasionaron a Lorenzo muchas enemistades dentro del círculo europeo de caudillos y nobles despóticos, la Orden de los Templarios. Lorenzo de Médicis se casó con la noble Clarice Ursino, y para 1486 se alió con el Asesino Giovanni Auditore da Firenze, quien había sido aliado de su familia durante la juventud del príncipe. Sirviendo de Giovanni como un vigía, Lorenzo descubrió los planes del pontífice Sixto IV para derrocar a los Estados de Toscana que no simpatizaran con su gobierno. Temiendo que Sixto pudiese tomar acción en su contra, Lorenzo encomendó a Giovanni la labor de alertar a sus aliados en otros Estados y anticipar los movimientos Templarios, eventualmente dando con el mismo círculo de nobles de la República Florentina. No obstante, el confaloniero de justicia Uberto Alberti se alió con los Templarios y condenó a muerte con cargos falsos a Giovanni y a casi toda su familia. Alberti fue asesinado no mucho después por el hijo sobreviviente de Giovanni, Ezio, quien procedió a huir de la república. En 1478, la familia Pazzi realizó un intento de derrocamiento contra Lorenzo y su familia en la Basílica de Santa María del Fiore. En el enfrentamiento, Ezio intervino y logró salvar a Lorenzo, aunque su hermano, Giuliano murió a manos de Francesco de' Pazzi. El atentado contra el gobierno florentino fracasó rotundamente, y Lorenzo encomendó a Ezio buscar en todas las ciudades de Toscana a los conspiradores que habían escapado con vida, y para 1480, ya todos habían sido asesinados. La contienda por sostener un régimen demagógico provocó que Lorenzo gastara todo el presupuesto de la república en el apadrinamiento de artistas, científicos y letrados. Casi en la bancarrota, Lorenzo de' Medici falleció el 9 de abril de 1492, con esto marcando el fin de la Edad de Oro de la República Florentina, socavando el tratado de paz entre las potencias italianas, y dejando el control de la ciudad a merced del papado y bajo la considerable influencia del discurso político del fray dominico Girolamo Savonarola, que tras la muerte de El Magnífico instauró en Florencia una república teocrática.

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La historia a través de la revista Vogue

Primera portada de Vogue USA en 1892 y una portada de 1909. 

En diciembre de 1892 nacía en Estados Unidos una gaceta semanal llamada Vogue. Su creador, Arthur Baldwin Turnure, un miembro de la alta sociedad neoyorkina, quería crear una publicación en la que se hablara del estilo de vida y los intereses de su clase social.

El segundo nacimiento de Vogue se produjo en 1909 cuando el joven abogado y publicista Condé Mostrose Nast compró la prestigiosa cabecera. La revista siguió manteniendo la esencia y dirigiéndose a las clases más poderosas de la ciudad. La moda era el principal contenido, pero también había entrevistas y secciones de estilo de vida. Con el tiempo la revista fue ganando influencia e importancia hasta convertirse en un referente a nivel mundial. En 1916, la versión inglesa dedicó la portada a la reina española Victoria Eugenia, icono de estilo de la época. El cambio de moda y estilo respecto a la primera portada de Vogue es radical. 

 Otra portada icónica fue la creada por George W. Plank en diciembre de 1917 en la que una chica está sentada sobre la luna. 

En 1916, con la Primera Guerra Mundial como telón de fondo, la revista saltó a Europa y empezó a publicarse la versión inglesa y en 1924 ocurría lo mismo en Francia. A través de sus portadas se puede hacer un recorrido por la historia del siglo XX, no solo de la moda, sino de los ilustradores, artistas, fotógrafos y de la evolución de la sociedad y el modelo de belleza. Hasta los años 30 diferentes artistas se encargaron de ilustrar las portadas influidos por los gustos artísticos y la moda de la época. Destacaron Eduardo García Benito, George Lepape o George Wolf Plank.

 Portadas de clara influencia cubista de Eduardo Benito. La primera de mayo de 1926 y la segunda de septiembre de 1927. 

 La influencia del Art Decó también se dejó ver en estas portadas de Lee Miller, 1927 y Lepape, 1928.

Las revistas no fueron ajenas a la historia y a los convulsos acontecimientos que estaban agitando los cimientos de Europa y la tranquilidad de EEUU. Entre 1900 y 1950, se vivió uno de los periodos más intensos de la historia de la humanidad. Vogue reflejó parte de esa historia en el espejo de sus portadas.

 Los viajes a África fue una temática recurrente a principios de siglo. 

A principios de siglo se daban los últimos coletazos a la colonización africana. En 1912 Francia convertía a Marruecos en uno de sus protectorados y en 1914 Gran Bretaña hacía lo mismo con Egipto. Entre guerras y acuerdos, las mujeres de las familias europeas más poderosas aprovecharon la ocasión para hacer exóticos safaris y viajes por África. Esto influyó de manera decisiva en la moda ya que demandaron ropa más cómoda que les permitiera mayor libertad de movimiento y se adaptara a los nuevos tiempos.

 George W. Plank, julio 1922 y Eduardo Benito, julio 1927 

En 1914 estalló la Primera Guerra Mundial. Este fue el punto de inflexión o el punto de partida, según como se mire, para la historia de las mujeres. La edición inglesa de Vogue dedicó una de sus portadas a las enfermeras que trabajaron de manera infatigable en hospitales de campaña en los frentes de guerra y en la retaguardia, atendiendo a los más de 8 millones de heridos y mutilados que dejó la guerra.

 Mayo de 1918 

A partir de 1914 la moda y las mujeres nunca volverían a ser lo que fueron. Durante el conflicto las mujeres pasaron a ocupar puestos de trabajo que hasta ahora estaban reservados solo a los hombres. La necesidad de salir de casa a trabajar exigia un cambio en la forma de vestir: cayeron los corsés, se cortaron las melenas, se acortaron las faldas, se holgaron los vestidos, se pusieron pantalones y se atrevían a fumar en público.

 Octubre de 1918 

 Y como la moda es un espectáculo y el espectáculo debe continuar, pase lo que pase, en medio de la guerra y con las tropas alemanas a tan solo 120km de París, la moda siguió su curso habitual y los desfiles de octubre de 1918 se celebraron. Si iban a morir, por lo menos lo harían con un modelo de la última temporada. En la portada de aquel mes, aviones de guerra sobrevuelan Paris mientras dos fasion victims del momento miran al cielo impertérritas y divinas de la muerte.

 G. Lepape, enero de 1925 y portada de junio de 1930 

Tras la guerra y gracias a la aprobación del plan Dawes, Europa empezó su recuperación y EEUU vivió una época de expansión económica sin precedentes. Fueron los felices años 20. Tras los desastres de la guerra llegaron el desahogo, las ganas de vivir, el charlestón, el cambio radical de la moda y la expansión de nuevos sectores industriales como el automovilístico o la aviación ligados al auge de la electricidad y del petróleo.

 Pierre Mourgue, marzo de 1932 y Anton Bruehl, julio de 1937 

En 1937, se produjo otro acontecimiento histórico que marcó la historia de Gran Bretaña: la coronación de Jorge VI (padre de Isabel II), que pasó a ser rey de Inglaterra. Vogue le dedicó un número especial, “The coronation issue” 1937, "The coronation issue". En la década de 1930 las portadas empezaron a cambiar. En 1932 apareció la primera con una fotografía a color. El encargado del trabajo fue Edward Steichen que inmortalizó a una mujer en traje de baño jugando con una pelota. A partir de ese momento la fotografía empezó a ganar espacio y a colarse con fuerza en las portadas, en detrimento de las ilustraciones. El concepto de revista de moda iba a cambiar de manera irreversible y para siempre.  Fuente: lo que el viento se dejó

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Construyendo una réplica de París en la Primera Guerra Mundial

Light show: This camouflage railway was lit up at night to give the illusion of a moving train

Aunque durante la Primera Guerra Mundial los bombardeos aéreos apenas tuvieron importancia en el desarrollo de la contienda, se podrían reseñar los bombardeos de Londres por los Zeppelines alemanes, en París debieron pensar que mejor curarse en salud. Ante la posibilidad de futuros ataques aéreos de los alemanes, decidieron construir una réplica de París como señuelo.

Iuminado daba la ilusión de un tren en movimiento

All for show: A map revealing sham railways, streets and train stations near Maisons-Laffitte

En 1918, cuando la Primera Guerra Mundial llegaba a su fin, se localizó una zona idónea para construir el señuelo en la periferia Norte de París, a unos 25 Km, en el bosque de Saint-Germain por el que, además, el tramo del río Sena que lo atravesaba era parecido al de la capital. Para darle más realismo en el proyecto figuraban réplicas en madera de edificios emblemáticos (como la estación Norte del ferrocarril, Gare du Nord), monumentos singulares (Arco del Triunfo), vías férreas falsas, la recreación de suburbios industriales y barrios como Saint-Denis o Aubervilliers.

Este señuelo estaba destinado para soportar los posibles bombardeos nocturnos, ya que durante la noche, y debido a que todavía no existía el radar, la única forma de localizar objetivos era la visión de los pilotos. Así que, había que dotar a la segunda Ciudad de la Luz, de eso… de luz y de color para engañar al enemigo. Gracias a la financiación privada se contrató al ingeniero eléctrico Fernand Jacopozzi. Con juegos de luces la ciudad cobraría vida, en las industrias parecería que se trabajaba, los trenes circularían… Al final de la guerra, y como recompensa por los servicios prestados, a Jacopozzi se le encargó la iluminación de la Torre Eiffel. Afortunadamente no hubo ocasión de probar la eficacia del segundo París… la guerra terminó y con ella el proyecto.

Sólo la zona Norte marcada con A2 llegó a construirse

Fuentes e imágenes: Metro, Daily Mail, Historias de la Historia

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¿A qué jugaban los niños nazis?

Nada de inocente. Al Juden Raus (Judíos Fuera, según su traducción al español) se jugaba con unos peones y unos cuantos sombreros acabados en punta.

El juego tenía por objetivo capturar a los judíos y expulsarlos de la ciudad, que estaba marcada en el tablero mediante una muralla.

Podían jugar de dos a seis personas y bastaba con tirar el dado y hacer una y otra vez los mismos movimientos hasta que se tuvieran los sombreros judíos suficientes, para después llevarlos más allá de las murallas.

El nombre, tampoco era azaroso. Ese "judíos fuera" era prácticamente un lema, un grito de guerra. Abraham Malik, que vivió en el gueto de Kaunas (Lituania), lo explicaba en el libro de Michael Berenbaum The World Must Know: "Los alemanes irrumpieron en las casas al grito de "Raus, raus, raus, Juden raus". Seguramente habría que investigar más. Personalmente buscaría los libros de estudios, y los analizaría bien. Y no hay que dejar de lado los cuentos "para dormir" que los padres contaban a sus preciosos niños... El blog del becario (FOTO: YADVASHEM)

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