28 feb 2017

Aristid Briand

Aristide Briand (Nantes, 28 de marzo de 1862 - París, 7 de marzo de 1932) fue un político francés considerado uno de los precursores de la unidad europea y elaborador en 1930 del Memorando Briand.

Nacido en Nantes el 28 de marzo de 1862, Briand, de origen humilde, militó desde joven en el Partido Socialista, del que fue elegido secretario general en 1901. Diputado desde el año siguiente, escaño que ocupó hasta su muerte. Se opuso a las directrices de su partido por estar a favor de la participación de ministros socialistas en el gobierno, aunque éste no fuera socialista. Por ello, en 1906, abandonó el partido para ocupar un cargo de ministro. Fue uno de los mayores políticos franceses de la Tercera República, numerosas veces ministro trabajó intensamente por la cooperación internacional, y se implicó en la construcción de la Sociedad de Naciones, firmando el Pacto de Locarno (1925) y el Briand-Kellogg (1928). Se reconoce como uno de los pioneros en las ideas de construir una unión europea.
Como ministro de exteriores francés compartió el Premio Nobel de la Paz de 1926 con su homólogo alemán Gustav Stresemann, en reconocimiento a su labor en la conclusión del Pacto de Locarno.

Antecedentes de la Unión Europea

En septiembre de 1929 Briand pronunció su célebre discurso ante la Sociedad de Naciones en el que defendió la idea de una federación europea basada en la solidaridad, la prosperidad económica y la cooperación política y social:
Entre los pueblos que están geográficamente agrupados debe existir un vínculo federal; estos pueblos deben tener la posibilidad de entrar en contacto, de discutir sus intereses, de adoptar resoluciones comunes, de establecer entre ellos un lazo de solidaridad, que les permita hacer frente a las circunstancias graves.
Evidentemente, esta asociación tendrá efecto sobre todo en el campo económico.
Este discurso fue bien recibido en Alemania. La Sociedad de Naciones encargó a Briand un memorando del proyecto, que Briand presentó en 1930 bajo el título, Memorando sobre la organización de un sistema de Unión Federal Europea. Sin embargo, la Gran Depresión y el acceso de los nazis al poder en Alemania frenaron este tipo de iniciativas.

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Jean Monnet se inspiraría de las ideas de Briand para promover las bases de la actual Unión Europea.

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Los últimos combatientes de la II Guerra Mundial

El dos de septiembre de 1945 a bordo del Missouri, el buque insignia de la flota norteamericana en el Pacífico, se firmaba la rendición oficial del Japón y terminaba la Segunda Guerra Mundial, un conflicto que había causado la muerte de sesenta millones de seres humanos y en la que se habían visto implicadas más de setenta naciones. Sin embargo la guerra no había terminado para todos. Continúa leyendo

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La ruleta rusa

La ruleta rusa es un juego de azar potencialmente mortal que consiste en que un jugador coloque una o varias balas dentro de un tambor de revolver, gire el cilindro, coloque el cañón en su sien y presione el gatillo. Se juega generalmente entre dos personas y utilizando una sola bala, el objetivo es sobrevivir y quedarse con el dinero o la especie de valor a jugar.

Características del juego

Generalmente se inicia en una mesa. Uno de los jugadores toma un revólver (puede ser de 5 o 6 balas) y abre el tambor. En él pone de una a 3 balas dependiendo de la cantidad de dinero apostado. Luego gira el tambor al azar, cerrándolo rápidamente de modo que ninguno de los jugadores pueda ver en qué recámara se encuentran las balas. Por turnos los jugadores colocan la boca del cañón sobre su sien y aprietan el gatillo sin mover el arma. Si ninguna bala es disparada, el jugador continúa en el juego y el revólver pasa a su compañero. Si este se salva, el revólver continúa al siguiente jugador hasta que a uno de ellos le toque la bala y reciba el disparo.

Historia

El primer uso conocido del término ruleta rusa aparece en un cuento corto de Georges Surdez, publicado en el número del 30 de enero de 1937 del Collier's Magazine. En este, un sargento del ejército ruso en la Legión Extranjera Francesa le cuenta al narrador: "Feldheim... ¿Alguna vez has oído hablar de la ruleta rusa?"
No está del todo claro si los oficiales jugaban a la ruleta rusa en la época zarista. En un texto sobre el cuerpo de oficiales zarista, John Bushnell, un experto en la historia de Rusia de la Universidad Northwestern, citó dos memorias casi contemporáneas de veteranos del ejército de Rusia: El Duelo (1905) por Aleksandr Kuprin y Desde el águila doble hasta la bandera roja (1921) de Piotr Krasnov. Ambos libros hablan sobre el escandaloso comportamiento suicida de los oficiales, pero en ninguno de ellos se hace mención de la ruleta rusa. Si el juego se originó en la vida real y no en la ficción, es poco probable saberlo con certeza hoy en día. El arma estándar suministrada a los oficiales rusos desde 1895 hasta 1930 era el revólver Nagant M1895, un revólver de doble acción cuyo tambor gira en sentido horario hasta que el martillo se arma. Sin embargo, utiliza siete cartuchos y no seis, lo que arroja algunas dudas sobre la exactitud de la referencia que se hace en Collier's. Es posible que los oficiales rusos dispararan seis y guardaran el séptimo cartucho en caso de salir vivos de una batalla.

La única referencia a algo parecido a la ruleta rusa en la literatura rusa figura en un libro titulado Un héroe de nuestro tiempo, escrito por Mijaíl Lérmontov (1840, traducido por Vladimir Nabokov en 1958), en el que un acto similar se lleva a cabo por un soldado serbio en el relato El fatalista. Continúa leyendo

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Las odaliscas

Una odalisca ( en turco: odalık) era una esclava de palacio en el Imperio otomano. Era una aprendiz o asistente de las concubinas y esposas del sultán, pudiendo más tarde llegar a obtener ese estado, es decir, ser concubina o, con mucha suerte, esposa. La mayoría de las odaliscas eran parte del harén imperial, es decir de la casa del sultán.

Etimología

La palabra española «odalisca» deriva de la francesa odalisque, que a su vez proviene de la voz turca odalık; la palabra turca está compuesta por oda ('cámara', 'pieza', 'dormitorio') y lık ('doncella' o 'señorita'), y literalmente significa «camarera», aunque ha tomado el significado concreto de «concubina».

Situación

Una odalisca no era una concubina del harén, pero podía llegar a serlo. Las odaliscas fueron clasificadas en la parte inferior de la estratificación social de un harén, es decir, no servían al hombre de la casa, sino más bien, a sus concubinas y esposas como sirvientas personales. Las odaliscas solían ser regalos al sultán, o a un hombre rico. Por lo general, una odalisca nunca eran supervisada por el sultán, sino que se mantenía bajo la supervisión directa de su madre, la Sultán Valide (en turco otomano: والده سلطان, literalmente "Madre Sultán"). Si una odalisca poseía una belleza extraordinaria o tenía talentos excepcionales en el baile o el canto, tendría la oportunidad de ser una concubina. Si era seleccionada, una odalisca entrenada como concubina del sultán, serviría sexualmente, y sólo después del contacto sexual, cambiaría su estado convirtiéndose a partir de entonces en una concubina. En el Imperio Otomano, las concubinas se encontraban con el sultán una sola vez, a menos de que fueran especialmente hábiles en la danza, el canto o las artes sexuales, ganando así la atención del sultán. Si una concubina mediante relaciones sexuales con el sultán daba lugar al nacimiento de un hijo, y el hijo era reconocido oficialmente como del sultán se convertiría automáticamente en una de sus esposas (recordar que legalmente el sultán podía tener hasta cuatro esposas).

En el Occidente del s. XIX, las odaliscas fueron tema frecuente en pinturas y esculturas del movimiento artístico llamado "Orientalismo", y se las encuentra en un gran número de pinturas eróticas a partir de esa época; como ejemplos se pueden citar La gran odalisca o El baño turco de Ingres o su influjo en la Olympia de Manet. Entre otros, Matisse ha representado odaliscas en sus obras.

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El juego de la oca: "de oca en oca y tiro porque me toca"

El juego de la oca es un juego de mesa para dos o más jugadores. Cada jugador avanza su ficha por un tablero en forma de espiral con 63 casillas con dibujos. Dependiendo de la casilla en la que se caiga, se puede avanzar o por el contrario retroceder, y en algunas de ellas está indicado un castigo. En su turno cada jugador tira dos dados (o uno dependiendo de las distintas versiones) que le indican el número de casillas que debe avanzar. Gana el juego el primer jugador que llega a la casilla 63, "el jardín de la oca".

Las primeras versiones comerciales del juego aparecieron en la década de 1880 y estaban decoradas con motivos alusivos a la época, como por ejemplo niños con vestidos del momento. Se supone que la primera versión fue un juego de mesa regalado por Francisco I de Médici de Florencia a Felipe II de España entre 1574 y 1587. El Ejemplar más antiguo que se conoce de este juego data del 1640 realizado en madera de origen veneciano. 

Casillas especiales

Hay diversas versiones del juego, con casillas distintas y ubicaciones distintas, aunque la mayoría posee estas casillas:

La oca

Se encuentran normalmente ubicadas cada nueve casillas desde las casillas 5 y 9. Cuando se cae en una de estas casillas, se avanza hasta la siguiente oca y, en ocasiones, se vuelve a tirar. Tradicionalmente se dice "de oca a oca y tiro porque me toca" (o "de oca en oca y tiro porque me toca").
En ciertas versiones también hay que fijarse en los picos de las ocas, si están hacia delante, hay que seguir hacia adelante, pero si el pico está hacia atrás, hay que retroceder. O puedes quedarte en el sitio que estás si la casilla tiene un número impar.

El puente

Se encuentran normalmente ubicados en las casillas 6 y 12. Cuando se cae en una de estas casillas, se avanza o retrocede hasta el otro puente y, en ocasiones, se vuelve a tirar. Tradicionalmente se dice "de puente a puente y tiro porque me lleva la corriente".

La posada

Se encuentra normalmente ubicada en la casilla 19. Cuando se cae en esta casilla, suelen perderse 2 turnos. En algunas ocasiones dependiendo de cuántos días aparezcan escritos en el dibujo.

El pozo

Se encuentra normalmente ubicado en la casilla 31. Cuando se cae en esta casilla, suelen o bien perderse 2 turnos o bien permanecer el jugador sin jugar hasta que otro caiga en su lugar. Y si están jugando sólo dos personas y el otro jugador cae en la calavera y empieza del principio, el castigo de estar sin jugar se invalida y se sigue jugando normal, saliendo del pozo en cuanto te toque tirar.

Los dados

Se encuentran normalmente ubicados en las casillas 26 y 53. Cuando se cae en una de estas dos casillas, se suman las cifras que aparezcan en la casilla y se avanza ese número de casillas. Existen otras versiones en las que se avanza o se retrocede a la otra con el mismo dibujo y se vuelve a tirar diciendo "De dado a dado y tiro porque me ha tocado", "De dados a dados y tiro porque son cuadrados" o "De dados a dados y tiro por los soldados" en las que simplemente se vuelve a tirar. También existe la regla de que cayendo en los dados de la casilla 26, si en la siguiente tirada saca un 3 en el dado, pasa el jugador a la 53, "en los dados, con un tres, paso a la cincuenta y tres".

El laberinto

Ubicado en la casilla 42, cuando se cae en el laberinto, se está obligado a retroceder a la casilla 30. Se suele decir: "Del laberinto al 30". En otras versiones, se queda atrapado y no se puede seguir avanzando hasta sacar un determinado número con los dados.

La cárcel

Ubicada en la casilla 52, cuando se cae en la cárcel, suelen perderse 3 turnos. Otra opción es que si se cae en la cárcel, la ficha queda inmovilizada hasta que otro jugador caiga y te rescate, quedando éste atrapado.

La calavera o la muerte

Ubicada en la casilla 58, cuando se cae en la calavera o muerte, se vuelve a empezar desde la casilla de inicio.

Última casilla

Usualmente el juego tiene 63 casillas y se debe llegar a la última con el puntaje exacto, de lo contrario se retrocede tantas casillas como puntos sobren.

Origen

Existen tres versiones sobre su origen:
Podría ser una creación de los griegos durante el asedio a Troya. Esta teoría se basa en el disco de Phaistos, procedente del 2000 a. C., que podría ser un tablero del juego.
Otros piensan que nació en la Florencia de los Médici y que luego se extendió por las cortes de Europa.
La última teoría afirma que lo crearon los templarios en el siglo XII inspirándose en el Camino de Santiago. También se le relaciona con los buenos constructores en la época de Alfonso I el Batallador.

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La pedicura entre los antiguos romanos

Como los egipcios y los griegos, los romanos cuidaban mucho de su higiene y el cuidado de su cuerpo. Cuidaban de su piel, de su cabello, y sí, también de sus uñas. Para esto último contaban con unas tijeras de diferentes tamaños y una cuchara para limpiarse debajo de las uñas. Continúa leyendo

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27 feb 2017

Los casinos más antiguos del mundo


Algunos de los casinos más antiguos del mundo han pasado la prueba del tiempo y continúan recibiendo jugadores en sus históricas salas. Desde  casinos en el bosque negro alemán con más de un siglo de historia hasta curiosas casas de apuestas en el Desierto de Nevada, conozca varios de los casinos más históricos dentro del orbe. Continúa leyendo 

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La Bella Otero, la Belle Époque

Agustina Otero Iglesias, más conocida como Carolina Otero o La Bella Otero (Valga, Pontevedra, Galicia, España, 4 de noviembre de 1868-Niza, Francia, 10 de abril de 1965) fue una bailarina, cantante, actriz y cortesana de origen español afincada en Francia y uno de los personajes más destacados de la Belle Époque francesa en los círculos artísticos y la vida galante de París. 

Hija de una madre soltera muy pobre (Carmen Otero Iglesias), apenas tuvo acceso a una educación académica, tras padecer una agresión sexual a los diez años, huyó de casa unos meses después y no volvió nunca más a su pueblo natal, Valga. Tras la fuga decidió cambiar su nombre de pila Agustina por el de Carolina. Trabajó en una compañía de cómicos ambulantes portugueses. Al dejar la compañía se vio obligada a ejercer oficios muy humildes para salir adelante, como bailar en locales de la más diversa índole, e incluso llegar a ejercer la prostitución. 

En 1888 conoció en Barcelona a un banquero que la quiso promocionar como bailarina en Francia y la llevó a Marsella. En cualquier caso casi en seguida empezó a promocionarse a sí misma hasta llegar a ser una bailarina conocida en toda Francia como La Bella Otero. En la promoción enfatizaba su origen español (muy exótico en Francia por entonces) y se presentaba artísticamente como andaluza y de origen gitano. La construcción del personaje artístico de Otero está tan llena de mitos que incluso han perdurado hasta nuestros días y aún hay biógrafos que sitúan su nacimiento en Cádiz, hija de una gitana. Actuó en Nueva York en 1890 y realizó giras por todo el mundo como bailarina exótica y actriz, consiguiendo fama internacional. Argentina, Cuba y Rusia fueron algunos de los países que visitó y actuó más veces. En este último llegó a conocer a Rasputín. Otero actuó durante muchos años en París en el Folies Bergère, donde era la estrella y en el Cirque d'été. Se puede decir que fue la primera artista española conocida internacionalmente. Otero no era una bailarina profesional y su arte era más instintivo que técnico. Sus danzas eran una mezcla de estilos flamenco, fandangos o danzas exóticas. También era una cantante competente y tenía calidad como actriz. Representó Carmen de Bizet y piezas teatrales como Nuit de Nöel.

A pesar de sus éxitos profesionales, Otero había conseguido ascender en el mundo artístico prostituyéndose y haciéndose amante de hombres influyentes. No era una práctica extraña que las artistas ejercieran de cortesanas para aumentar sus ingresos. En la Belle Époque era habitual y los hombres que podían pagar las astronómicas sumas que cobraban estas cortesanas conseguían prestigio. Otero era una de las más famosas y cotizadas de la alta sociedad parisina. Fue amante de Guillermo II de Alemania, Nicolás II de Rusia, Leopoldo II de Bélgica, Alfonso XIII de España, Eduardo VII del Reino Unido y Aristide Briand —con quien tuvo una relación entrañable hasta la muerte del político—, entre otros. Otero llegó a reunir una fabulosa fortuna que, debido a la ludopatía que padecía, fue dilapidando en los casinos de Montecarlo y Niza. 

Retirada de los escenarios en 1910, se estableció en Niza, donde vivió hasta su muerte en 1965 totalmente arruinada y sola. Vivía de una pensión que le pasaba el Casino de Montecarlo en agradecimiento por los millones de francos que en él dejara. Nunca se casó.
De su vida se han escrito varias biografías y se han hecho películas y series para la televisión. Debido a que Otero inventó parte de su pasado para ocultar hechos como su violación o sus orígenes extremadamente humildes, muchas biografías, películas u otros trabajos en torno a su persona tienen datos inexactos y hechos que nunca sucedieron de verdad.

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Los cuatro más ricos de Indonesia tienen más que 100 millones de pobres

  • En un día, un multimillonario puede ganar, solo con los intereses de su fortuna, más de 1.000 veces la suma que gastan los más pobres en sus necesidades básicas en todo un año.
  • El número de multimillonarios en este país emergente que registra un fuerte crecimiento económico pasó de uno en 2002 a 20 en 2016. Continúa leyendo

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¿A qué países emigran los millonarios?

Ni Estados Unidos, referente de los millonarios, ni Reino Unido, su par europeo. El país al que prefieren irse los millonarios que cambian de residencia está en la otra punta del mapa. En 2016 11.000 millonarios se trasladaron a Australia, el principal destino a nivel global para este colectivo. Continúa leyendo 

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23 feb 2017

¿Combatir el estrés con libros para adultos para colorear?

Cuando me sugirieron que probara esos libros de colorear para adultos me pareció muy buena idea porque soy de naturaleza nerviosa y llevo combatiendo la ansiedad de diferentes formas desde hace bastante tiempo, ya sea con psicofármacos, gimnasio, cerveza o meditación. Continúa leyendo

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Ferias del libro: las 10 más importantes del mundo


Las Ferias Internacionales del Libro son el evento por excelencia para que los editores muestren sus publicaciones, los autores presenten sus novedades y los amantes de la lectura se deleiten con jornadas dedicadas a su gran pasión. Continúa leyendo

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Las fantasías del hombre


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21 feb 2017

Amar en tiempos de guerra (reportaje fotográfico)

Nos encantaría saber qué historia concreta se esconde tras cada fotografía. Personas amadas que regresan de la guerra, personas amadas que marchan quizá para no volver jamás.. Rencuentros llenos de luz, de alegría. Despedidas repletas de dolor y de miedo. Continúa leyendo

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¿Qué debería hacerse con la casa natal de Adolf Hitler?

En el número 15 de la calle Salzburger Vorstadt de una pequeña localidad austriaca fronteriza con Baviera, la casa natal de Adolf Hitler se mantiene vacía. Solo una roca grabada recuerda al fantasma del líder nazi en Braunau am Inn. "Por la paz, la libertad y la democracia, nunca más fascismo. Millones de muertos lo advierten". Continúa leyendo

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De fracasado a abrir el portal Freelancer

A Matt Barrie se le ocurrió una idea de una empresa que ahora vale US$300 millones mientras hacía un favor a su madre.
Se trata del portal Freelancer que conecta a gente que ofrece tareas concretas con otros que buscan trabajo, pujando por las tarifas que ofrecen. Continúa leyendo

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La casa de JRR Tolkien en venta

Los fans -con dinero- de 'El Señor de los Anillos' están de enhorabuena. Ahora pueden comprar la casa en la que vivió el autor de la saga JRR Tolkien por casi medio millón de euros. Tolkien vivió en Rock Cottage, en Great Haywood, en Straffordshire, con su esposa Edith desde el año 1916. Continúa leyendo

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20 feb 2017

Bolas de chocolate suecas

Con ingredientes que siempre están a mano y sin horno, estas bolas de chocolate son muy fáciles de hacer. Además son baratas y se preparan en todos los rincones de Suecia.

Ingredientes

500 g de copos de avena
500 g de mantequilla
200 g de azúcar
100 g de coco rallado
50 g de cacao
5 dl de café
sal

Mezclar en un cuenco grande los copos de avena con la mantequilla (previamente reblandecida). Añadir el cacao en polvo, el café, el azúcar y una pizca de sal. 

Trabajar hasta obtener una mezcla uniforme.

Formar bolas algo más pequeñas que una ciruela; rebozar en el coco rallado y guardar en la nevera.

El café puede ser descafeinado y soluble. 

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Hundertwasser, el artista multifacético

Friedrich Stowasser (15 de diciembre de 1928 en Viena - 19 de febrero de 2000), más conocido como Friedensreich Hundertwasser (en una creación suya se autodenomina "Friedensreich Regentag Dunkelbunt Hundertwasser") fue un artista austriaco multifacético. Nieto del conocido filólogo Joseph Maria de Stowasser, se desempeñó en diversas áreas de conocimiento como la pintura y la escultura haciendo algunos diseños de edificios.

Nació el 14 de diciembre de 1928 en Viena, Austria, en el seno de una familia mixta, madre judía y padre protestante que murió a los pocos meses de su nacimiento. Con la llegada del nazismo su madre decidió bautizarlo para salvarlo y lo alistó en las juventudes hitlerianas. En la escuela usaba el brazalete amarillo obligatorio con la estrella magen David de judío y en su casa el brazalete nazi que usaba cuando a medianoche irrumpían de inspección nocturna en su casa donde vivieron escondidos en el sótano hasta 1944. Cuando terminó la guerra estaba en un estado grave de desnutrición y fue enviado al campo a vivir, pero el resto de su familia fue delatada y asesinada por los nazis. 


Adoptó el prefijo Sto (en Checo significa "cien") que es lo mismo que "Hundert" en alemán, siendo esta la razón por la que es denominado Hundertwasser o Stowasser. El nombre de Friedensreich tiene significado de "lugar de paz" o "Reino de la paz" (en el sentido de 'relajado'). Los otros nombres que elegió para sí fueron Regentag y Dunkelbunt que se traducen como "Día lluvioso" y "Oscuro, multicoloreado". Su nombre Friedensreich Hundertwasser significa, "Reino de la Paz con Cientos de Aguas". En algunas pinturas aparece su firma como 百水 (hyaku-sui), la traducción al japonés de su apellido.

Características e Influencias

Las características originales de Hundertwasser son la expresión del shock en el arte pictórico, la filosofía del ambientalismo, el diseño de fachadas, sellos postales, banderas y vestidos (entre otras áreas). Los temas comunes en este trabajo son el rechazo a las líneas rectas, colores brillantes, formas orgánicas, una reconciliación de los humanos con la naturaleza, y un fuerte individualismo. Aunque se mantiene constantemente en su estilo sui generis, sus diseños arquitectónicos a veces recuerdan a los del arquitecto catalán Antoni Gaudí debido al uso de formas biomórficas. Desde muy joven fue inspirado por el trabajo de Egon Schiele, y su estilo a menudo es comparado con el de Gustav Klimt. Su principal inspiración eran las espirales, y llegó a denominar a la línea recta como la "herramienta del diablo". Denominó su teoría del arte "transautomatismo", basada a su vez en el Surrealismo automático.
Hundertwasser adquirió notoriedad por sus pinturas de múltiples colores, y hoy en día es muy conocido por sus diseños arquitectónicos revolucionarios, que suelen incorporar características de los paisajes naturales, mediante el uso de formas irregulares en el diseño de sus edificios. Los denominados: Hundertwasserhaus son apartamentos de bajo coste en Viena, cuyos pisos ondulantes constituyen la principal característica ("un piso ondulado es una melodía para los pies"), tejados recubiertos de tierra y vegetación, y grandes árboles creciendo dentro de las habitaciones, con sus ramas extendiéndose por las ventanas. El artista nunca cobró por el diseño de las Hundertwasserhaus.
Sintió que la arquitectura estándar no podía denominarse como arte, y declaró que el diseño de cualquier edificio debería estar influenciado por la estética de cada uno de sus habitantes. Hundertwasser fue conocido por su performance art, en el que por ejemplo se puede ver como aparece en público desnudo promocionando un toilete más ecológico y ahorrador de agua. En 4 de julio de 1958 celebró un controvertido manifiesto Verschimmelungs-Manifest, denominado también como Manifiesto Mould en contra del racionalismo en arquitectura, en la abadía de Seckau. En 1972 publicó otro manifiesto Your window right — your tree duty: en el que sugería que plantar árboles en entornos urbanos debía ser obligatorio.

Su trabajo se ha empleado en la elaboración de banderas, sellos, monedas, pósters, escuelas, iglesias, lavabos públicos y ha sido adoptado en Nueva Zelanda en el diseño de edificios. Su bandera más famosa es la Bandera de Koru; diseñó sellos para las islas de Cabo Verde y para las Naciones Unidas, así como la administración postal de Ginebra. El 14 de febrero de 1981 pronunció un discurso en la ceremonia de entrega del Gran Premio de Austria a las Artes Visuales, en el que señalaba que "el arte de hoy en día es una degeneración. Hace mucho tiempo que los artífices y tratantes de lo artístico no son ya los artistas propiamente dichos, sino una pequeña "mafia" internacional, compuesta de intelectuales frustrados, frustrados porque tales imposturas no interesan al gran público y tampoco les contentan a ellos mismos. Esos artífices y tratantes, que hacen de directores de museos, de periodistas y teorizadores, son parásitos de nuestra sociedad. Nuestro auténtico enemigo es esa necedad incapaz de distinguir lo verdadero de lo falso. Habría que detener y encerrar en una cárcel a todo director de museo que gastase fondos públicos comprando mamarrachos".

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Las subastas en la historia

La subasta es una de las modalidades comerciales casi tan antigua como la propia civilización. El encuentro de dos poderosas fuerzas, la oferta y la demanda, se ha convertido en un gran atractivo para miles de personas. Y más si las obras están unidas a nombres capitales de nuestra Historia. La venta de las colecciones de Carlos I de Inglaterra, Cristina de Suecia, Luis Felipe de Orleáns, Duques de Osuna, Jakob Goldschmidt y Andy Warhol han revolucionado, durante los últimos siglos, el apasionante mundo de las pujas. Continúa leyendo

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¡Bingo!

El bingo (del inglés bingo) es un juego de azar que consiste en un bombo con un número determinado de bolas numeradas en su interior. Los jugadores juegan con cartones con números aleatorios escritos en ellos, dentro del rango correspondiente. Un locutor va sacando bolas del bombo, anunciando los números en voz alta. Si un jugador tiene dicho número en su cartón lo tacha, y el juego continúa así hasta que alguien consigue marcar todos los números de su cartón.
Existen varias teorías sobre cuando empezó esta actividad, pero la mayoría de ellas la datan del siglo XVI. Se trata de un juego muy popular en todo el mundo del que existen dos variedades típicas, que son la de 90 bolas y la de 75 bolas.

Historia del bingo

Algunas teorías remontan el origen de este popular juego de azar al tiempo de la cultura romana. Otras lo relacionan a la antigua Italia en el siglo XVI, pero lo realmente cierto es que constituye una de las primeras formas de juego popular.
La historia conocida de este juego (no aceptada por todos los historiadores) se remonta a la época de los bárbaros y los potentados que cobraban los famosos impuestos a diferentes aldeas de países, nacionales, capitales y entre otros estamentos de la sociedad en épocas remotas.
El juego en general consistía en integrar en un recipiente varias bolas con números que representaban a diferentes aldeas de las diferentes potencias y sobre la base de los aciertos los caballeros y soldados hacían los cobros en oro, plata, minerales, joyas y otros objetos de valor como compensación y retribución de su suerte en ser elegidos, en varias ocasiones los valores adquiridos eran para el uso de construcciones y en otras ocasiones los utilizaban para la alimentación de grandes masas de ejércitos y entre otros para combatir conflictos y conquistas.
Con el transcurso de los años y debido a nuevas normas asociadas a la sociedad y leyes que promulgaron grandes potentados como es el caso de los romanos, estos juegos que anteriormente se utilizaban para el recaudo de dinero y riquezas, empezaron a ser utilizadas para brindar diversión a los diferentes visitantes y exploradores del mundo en busca de negocios y sobre la base de esto las ideas que se crearon fueron basadas en brindar diversión con juegos, bailes, mujeres y estamentos de prestigio con otras disciplinas como fueron los dados, las barajas, y otros juegos que ahora divierten a millones de jugadores y apasionados apostadores en el mundo.
En cambio, numerosos historiadores y especialistas afirman que el origen de esta costumbre es la lotería italiana, cuando se unieron los reinos de Italia en 1530. La hipótesis de gran aceptación afirma que el antecesor del popular juego es “Il Giocco del Lotto d`Italia”, una lotería nacional que era jugada semanalmente y se ha extendido en el tiempo hasta la fecha actual. Hoy en día, es un componente esencial del presupuesto del país, que genera más de 75 millones de dólares en ingresos actuales. “Lo Giuoco del Lotto d’Italia” se juega cada sábado en este país. 
La cercanía operativa de ambos juegos se manifiesta en los elementos que intervienen para el desarrollo de los mismos. En los dos casos, el organizador debe contar con bolas numeradas, un bolillero o tómbola y cartones numerados. El social juego de bingo parece ser una evolución de este juego que se ha extendido por siglos en la región de Italia.
En 1770, este juego llamó la atención a los franceses, quienes lo denominaron Le Lotto, y se estableció con las reglas que se siguen aún en la actualidad. Fueron los primeros en jugar con las tarjetas de bingo, fichas y en cantar en voz alta los números. En esta época, sólo fue jugado por la gente de la alta aristocracia. Los premios no eran organizados de la manera actual sino que se extendían en numerosas posibilidades de reconocimiento por ganar. Distintos elementos típicos de los años mencionados constituían los premios.
En los años 1800 el bingo se propagó rápidamente por toda Europa. Los juegos de bingo educativos se hicieron populares. En 1850 fue diseñado un juego de bingo en Alemania para enseñarle a los niños las tablas de multiplicar, además de otros juegos de bingo educativo como “bingo para deletrear”, “bingo animal”, “bingo histórico”. Estos bingos fueron diseñados para proporcionarles a los niños de 3 a 6 años de edad un poco de diversión y al mismo tiempo, enseñarles a cantar y a reconocer los números.
Después de extenderse por toda Europa el juego comenzó a presentarse en Norteamérica. En un principio el juego se hizo popular en las ferias de los pueblos y festivales. Consistía en un organizador que sacaba discos enumerados de una caja de cigarros mientras los jugadores marcaban los números en sus tarjetas colocando alubias (beans) sobre ellas y se gritaba “beano” si ganaban.
Durante una visita al carnaval de Atlanta en 1929, Edwin Lowe, un vendedor de juguetes de Nueva York, descubrió el Beano. Lowe notó la gran emoción que sentían los jugadores. Intentó participar en un juego de Beano esa misma noche, pero no consiguió un sitio. Los jugadores estaban muy enganchados, y cuando el hombre que llevaba el juego de Beano intentó cerrar el chiringuito, los jugadores simplemente rechazaron dejar de jugar. Finalmente, a las 3 de la mañana, según cuenta la historia, el organizador dejó paso a Lowe. Al regresar a Nueva York, Lowe compró algunas alubias, y todo el resto de cosas necesarias para poder realizar el juego. Invitó a algunos amigos a su apartamento para poner a prueba su nuevo juego. Antes de lo que se imaginaba, sus amigos estaban jugando al Beano con la misma emoción y fervor que los que había visto en el carnaval. Durante un juego, Lowe estudió el comportamiento de un jugador que estaba a punto de ganar. Sólo necesitaba un número más para completar su tarjeta, pero se ponía más y más nervioso cuando veía que su número no salía. Finalmente, cuando consiguió tapar todos sus números, de la emoción gritó:” B-B-B-BINGO!” en vez de Beano. Esto es lo que explica su nombre de hoy en día.
Una vez dado a conocer en Norteamérica, rápidamente se extendió en el resto del mundo.
Un cura de Wilkes-Barre, Pensilvania, es el hombre responsable de introducir por primera vez el bingo como forma de recaudar fondos para la iglesia. Un miembro de la congregación sugirió utilizar el juego para poder obtener dinero para mantenimiento. Fue entonces, cuando el juego del bingo, original, que solo ofrecía 24 variantes únicas de tarjetas, se fue expandiendo. Dado que cada vez eran más los miembros de la iglesia que tomaban parte en el juego del bingo, se repartían más cartones. Los curas pronto se dieron cuenta de que muchos jugadores ganaban el mismo juego, por lo tanto buscaron nuevas formas para hacer que las combinaciones de números fueran únicas.
Para ello, pidieron ayuda a Lowe, quien contrató a un profesor de matemáticas de la universidad de Columbia, llamado Carl Leffler, para que lo ayudase a incrementar la cantidad de combinaciones en las tarjetas de bingo. Para 1930, Leffler ya había creado más de 6000 tarjetas de bingo con combinaciones únicas (se dice que después de esto Leffler se volvió loco).
Esta nueva forma de bingo hizo que este juego se consolidara como forma para recaudar fondos. Para 1934, ya había más de 10000 bingos semanales operativos en toda América del Norte. Desde las iglesias hasta las reservas de indios americanos, todos ellos eran jugadores de bingo que gastaban semanalmente 90 millones de dólares en bingo solamente en el norte de América.
En 1977 se autorizó el bingo en España. Se inventó un nuevo sistema de bingo diferente al que imperaba por entonces: el bingo de 90 números. En la década de los ochenta se vivió una auténtica fiebre del “bingo moderno” cuando las máquinas y los salones de juego entraron en escena.
En 1992 había 604 salas de bingo en España, según los primeros datos oficiales conocidos. Hoy en día existen diversidad juegos de internet.

Legislación española
Normas nacionales que afectan al bingo

El juego estaba vetado en España desde el año 1922, por lo que cualquier tipo de juego solo se hacía en el ámbito privado o de una forma ilegal.
Tras el final de la dictadura y el paso a la democracia empieza a plantearse la idea de regular y legalizar el juego, para ellos se lleva a cabo un Real-Decreto, por el que se regulan los aspectos penales, administrativos y fiscales de los juegos de suerte, envite o azar y apuestas. Es el llamado REAL DECRETO-LEY 16/1.977 de 25 de febrero. Tras la aprobación de esta ley comienzan en España a surgir las primeras salas de bingo.

Aparte, existen otras leyes a nivel nacional que afectan de una forma u otra a las salas de bingo en competencias como: Propiedad Intelectual, Haciendas Locales, Defensa de la Competencia, Legislación Mercantil, Ley de Sociedades, Impuesto de Actividades Económicas, Competencia Desleal, Protección de la Seguridad Ciudadana, transferencias de competencias a las Comunidades Autónomas, Riesgos Laborales, Norma Básica de Edificación, Ficheros de Prohibidos, etc.

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Ebay, subastas online

eBay es un sitio destinado a la subasta de productos a través de Internet. Es uno de los pioneros en este tipo de transacciones, habiendo sido fundado en el año 1995. Desde 2002 y hasta 2015, eBay ha sido propietario de PayPal.
Desde julio de 2015 el Director Ejecutivo (CEO) de eBay es Devin Wenig. 

Descripción

Subasta: es la transacción más común en el sitio.2 El vendedor pone un precio de salida y una duración determinada para el anuncio y mientras dure ese período de tiempo, los compradores pagaran por ella. El pagador más alto se lleva el
artículo, bajo las condiciones de entrega y devoluciones impuestas por el vendedor.
¡Cómpralo ya!: el vendedor establece un precio fijo y, si el demandante está dispuesto a pagarlo, será suyo.
Anuncio clasificado: venta de artículos bajo esta forma de anuncio, en el que se exponen las características del artículo en cuestión y su precio.
El vendedor puede establecer su propia política de pagos: PayPal, tarjeta de crédito, transferencia bancaria o contra reembolso en el momento de la recepción del pedido y así se hace constar en el anuncio, junto a la descripción del mismo y la foto, si procede. A cambio de publicar su anuncio, eBay cobra una comisión al oferente en caso de venta, en proporción al precio final de la venta.
A pesar de que últimamente se ha aumentado la seguridad y la protección al comprador, no hay que olvidar que cualquier transacción en eBay es un trato en el que no interviene la empresa, por lo que el éxito de la compraventa depende de la buena fe de la otra parte. eBay realmente es un sistema de intermediación automático, en el que los usuarios pueden calificar al otro usuario mediante un sistema de puntos positivos o negativos, dependiendo del éxito de la operación. Sin embargo, este sistema ha demostrado ser a menudo fácilmente manipulable, por lo que en el pasado se han dado casos de estafas con vendedores asiáticos y productos de alta tecnología (televisores LCD a precios de ganga, etc.). Para evitar esto hay que fijarse en la forma de pago del producto que se compra, y si esa forma de pago dispone de la «protección al comprador» de eBay, que cubre hasta una cantidad en 
caso de fraude, aunque con unos gastos de 30€ por reclamación.

Historia 

eBay fue fundada en 1995 por Pierre Omidyar en San José, California; el primer artículo vendido fue un puntero láser inservible, por un precio de 14,83 dólares. Asombrado, Omidyar contactó con el ganador de la subasta con el fin de averiguar si realmente éste entendía lo que había comprado. La respuesta fue más asombrosa aún: «Me gusta coleccionar punteros láser inservibles».


Críticas

Uno de los aspectos que presenta mayores riesgos para quienes adquieren artículos en eBay en la modalidad de subasta, son las ofertas o pujas falsas hechas por el vendedor en sus propios artículos con la finalidad de aumentar el precio final de venta, ya sea mediante un «usuario» distinto dentro de la plataforma de eBay o con la ayuda de alguien que opera en la plataforma en contubernio con el vendedor.
En este sentido eBay ha admitido que estos intentos de ofertas fraudulentas son habituales en el sitio, aunque aseguran disponer de tecnología adecuada para detectarlos. A pesar de ello las autoridades policiales advierten que "resulta muy difícil" probar la existencia de una oferta fraudulenta. 
Cuando un comprador sospecha que un artículo está recibiendo ofertas falsas por parte del vendedor o sus aliados (un aumento ilógico de las cantidades ofrecidas por un mismo comprador sin competidores que hayan hecho ofertas por el mismo artículo), el comprador puede informar de la situación a eBay, pero ésta se reservará siempre -bajo la declarada intención de proteger la confidencialidad y reputación de los vendedores- el derecho de NO informar a los compradores sobre las acciones que tomará en caso de confirmarse que el vendedor ha hecho ofertas por sus propios artículos. Al elevarse los precios de venta final de los artículos, tanto el vendedor como eBay son beneficiados directamente, por lo cual parece contra el sentido común que eBay realmente se interese por averiguar si los vendedores se conducen de manera honesta, pues esto iría en contra de sus propios intereses comerciales.
Además está el hecho de que los equipos de trabajo de eBay y sitios de subastas similares han sido ya desde hace algún tiempo ampliamente rebasados por el volumen de trabajo inherente a este tipo de operación de comercio electrónico, y el intentar revisar cada uno de los casos reportados por los compradores estaría claramente fuera de las posibilidades reales de la infraestructura de recursos humanos disponibles.
Por lo anterior se puede concluir –con cierto grado de certeza– que las pujas falsas (llamadas en inglés shill bidding) son mucho más frecuentes de lo que eBay podría estar dispuesta a aceptar públicamente y no existe hasta ahora una solución clara y directa ofrecida por eBay para asegurar a los compradores que las pujas falsas serán mantenidas al mínimo con un seguimiento puntual por parte de la empresa a los casos reportados por los compradores. 
Anonymous, junto a otros grupos de Internet, coordinó ataques cibernéticos dentro la operation payback contra Postfinance.ch (banco suizo), tarjetas de crédito (Visa - Mastercard) y otras páginas web como PayPal (propiedad de eBay) que cancelaron sus servicios con WikiLeaks a raíz del Cablegate. 


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Maimónides, ¿hereje de su religión?

Maimónides (Córdoba, 30 de marzo de 1138 - El Cairo, 12 de diciembre de 1204), fue un médico, rabino y teólogo judío de al-Ándalus (en la actual España). Tuvo importancia como filósofo en el pensamiento medieval.

Biografía

Nació en Córdoba (en la actual España), en el seno de una distinguida familia, por vía paterna, de jueces rabínicos, estudiosos y dirigentes comunitarios, documentada desde el siglo X y que pretendía descender del Rabí Yehudá ha-Nasí, de la segunda mitad del siglo II, redactor de la Mishná. Su familia materna, por el contrario, era de humilde condición; su madre, que murió al darle a luz, era la hija de un carnicero; y su padre se volvió a casar. Era este un erudito formado en Lucena por rabí Yosef ha-Leví ibn Migash. Inició ya de pequeño sus estudios bíblicos y talmúdicos en la ciudad de Córdoba, pero en 1148 una ola de fanatismo almohade hizo que su familia tuviera que aparentar su conversión al Islam y cambiar a menudo de residencia por al-Ándalus. Vivió en la ciudad de Almería, donde dio cobijo en su casa a su maestro Averroes, hasta trasladarse en 1160 con sus hijos a Fez. Allí residió durante solo cinco años, debido a la intolerancia almohade que les obligó a exiliarse, primero durante unos meses, en Palestina y finalmente en Egipto. Maimónides residió allí el resto de su vida junto a su familia, en la ciudad egipcia de Alejandría y después en la capital, Fustat (hoy El Cairo), donde se ganó la vida ejerciendo la medicina en la corte del visir Saladino, y luego en la del visir al-Fadl, hijo mayor de Saladino. Con este oficio obtuvo una gran fama y admiración popular. En 1177 fue nombrado dirigente de la comunidad judía de Egipto. Aun habiendo sido expulsado de España y viviendo en Egipto, Maimónides insistía en calificarse a sí mismo de "sefardí". Murió en Fustat el 13 de diciembre de 1204. Posteriormente su tumba fue trasladada a Tiberíades, en el actual Israel.
Su fama en la cultura europea se debe a su obra filosófica. Aunque esta fuera muy discutida por el judaísmo, entre otras razones por su fuerte oposición al misticismo de los cabalistas y su influencia aristotélica, se le considera la mayor figura posbíblica (según el proverbio "De Moisés a Moisés no hubo otro Moisés"). En ciertos ámbitos más conservadores se le llegó a considerar hereje de su religión, en especial, por ser el responsable de convencer a los caraístas de apartarse de sus prácticas originales, y acercándolos al judaísmo rabínico.
Fue muy conocido por sus coetáneos como médico, dejando una importante huella en la tradición popular que muestra a Maimónides, sobre todo, como un médico a quien se atribuyen milagros que le elevan al nivel de santo, un sabio juez y un rabino.

Obra

En su juventud escribió poesías religiosas y una epístola en árabe.
Sobre sus conocimientos en medicina escribió un buen número de tratados, como el que dedicó al sultán Saladino, el Tratado sobre los venenos y sus antídotos el año 1199, al hijo del sultán, Al-Fadl, Guía de la buena salud (1198) y la Explicación de las alteraciones (1200).
Sus obras mayores de tema rabínico (talmúdico) son dos: un comentario en árabe de la Mishná, El Luminar (1168), también titulado Libro de la elucidación, y la Segunda ley o Repetición de la ley del año 1180, que constituye su obra magna y consiste en una amplia y minuciosa recopilación por materias de todas las leyes y normas religiosas y jurídicas de la vida judía (es decir, del Talmud).
Estas obras tuvieron mucha fama y le otorgaron numerosos discípulos. También es autor de obras filosóficas de gran peso en el pensamiento medieval, escritas durante los últimos años de su vida, como el Tratado sobre la resurrección de los muertos (1191).
La Guía de perplejos (1190), incorrectamente apodada Guía de los descarriados, es la clave de su pensamiento filosófico y ejerció una fuerte influencia en círculos tanto judíos como cristianos y sobre todo escolásticos.
En ella establece una conciliación entre la fe y la razón dirigida a quienes vacilan entre las enseñanzas de la religión judía y las doctrinas de la filosofía aristotélica que entonces imperaban, demostrando que no hay contradicción en los puntos en que fe y razón parecen oponerse. Es decir, una conciliación entre el sentido literal de las escrituras y las verdades racionales, acudiendo a la interpretación alegórica en casos de conflicto.
Fue así que surgieron polémicas por parte de "antimaimonistas" —básicamente, por parte de un grupo de musulmanes que pretendían una lectura literal del Corán, los mutallajim— que lo tacharon de racionalista. A pesar de ello fue una obra muy comentada y de gran influencia en el mundo musulmán y la escolástica cristiana, por ejemplo en Santo Tomás de Aquino.
Como judío en territorio islámico tuvo una vasta formación en ambas culturas: la tradicional judía y la árabe profana (con sus incorporaciones de la griega), a partir de las enseñanzas de su erudito padre Maimum, por lo que escribió obras tanto en hebreo como en árabe, en una prosa que se caracteriza sobre todo por la sistematización y la claridad expositiva.

De Maimónides surge el movimiento intelectual judaico de los siglos XIII y XIV que se extendió por España y el sur de Francia. Partidario del realismo teológico ha llegado a ser considerado precursor de las ideas de Spinoza, pero filosóficamente no se le considera muy original por seguir básicamente a Aristóteles, apartándose de él en puntos que parecen contradictorios a las creencias y tradiciones judías. Por lo tanto, su carácter es conciliador.

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Wilco, Jesus, etc.

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19 feb 2017

10 festivales de cine a los que te gustaría asistir

Los festivales de cine son celebraciones de la industria cinematográfica en las que una organización o un grupo de personas deciden exhibir una serie de películas en uno o varios teatros de tal manera que se puedan dar a conocer las nuevas producciones de autores establecidos, de nuevos autores y, en la mayoría de los casos, cintas que no han conseguido distribución. Continúa leyendo

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La familia Bin Laden

La familia Bin Laden (en árabe, بن لادن ), también deletreada Bin Ladin, es una familia muy conectada con los círculos más íntimos de la familia real saudí. La familia se convirtió en el centro de atención de los medios de comunicación por las actividades de uno de sus miembros, Osama bin Laden. Los intereses financieros de la familia Bin Laden están representados por el Grupo Saudi Binladin, un conglomerado global de construcción y de gestión de activos, con un ingreso bruto de $ 5 mil millones de dólares anuales, y una de las compañías de construcción más grandes del Mundo islámico, con oficinas en Londres y Ginebra.

Orígenes de la familia

La familia rastrea sus orígenes hasta un jeque yemení pobre y sin educación, Mohammed bin Laden (fallecido en 1967). Mohammed bin Laden era oriundo de la costa de Hadramaut, una región donde predominaba el Shafi'i (Sunismo), al sur de Yemen, y emigró a Arabia Saudita antes de que comenzara la Primera Guerra Mundial. Fundó una compañía constructora y atrajo la atención del rey Saud por medio de proyectos de construcción. Más tarde, fue premiado con contratos para importantes renovaciones en La Meca, donde formó su fortuna inicial a través de los derechos exclusivos de la construcción de todas las mezquitas y otros edificios religiosos no solo en Arabia Saudita, sino en todos los lugares hasta donde llegaba la influencia de Ibn Saud. Hasta su muerte, Mohammed bin Laden tuvo el control exclusivo sobre las restauraciones de la Mezquita de Al-Aqsa en Jerusalén. Pronto, la red corporativa Bin Laden se extendió mucho más allá de sitios de construcción.
La cercanía especial de Mohammed con la monarquía fue heredada por la siguiente generación Bin Laden. Los hijos de Mohammed asistieron al Victoria College de Alejandría, Egipto. Sus condiscípulos incluyeron al rey Hussein de Jordania, a Zaid al Rifai, a los hermanos Kashoggi (cuyo padre fue uno de los médicos del rey), Kamal Adham (quien comandó la Dirección de Inteligencia General Saudí bajo el régimen del rey Faisal), actuales contratistas como Mohammed al Attas, Fahd Shobokshi y Ghassan Saker, y el actor Omar Sharif. Cuando Mohammed bin Laden falleció en 1967, su hijo Salem bin Laden se hizo cargo de las empresas de la familia hasta su propia muerte accidental en 1988. Salen fue uno de, por lo menos, 54 hijos que Mohammed bin Laden tuvo con varias esposas.

Relaciones con Arabia Saudita

La conexión bin Laden con la Casa de Saud fue dañada severamente en 1979, cuando insurgentes islamistas tomaron brevemente el control de la mezquita en La Meca. Se habían utilizado vehículos de propiedad de la familia para pasar de contrabando armas en la ciudad fuertemente controlada. Mahrous bin Laden habría sido el habilitador, al trabajar junto con la insurgencia islamista. Esta conexión era a través del hijo de un sultán de Yemen que había sido radicalizado por miembros sirios de los Hermanos Musulmanes. Mahrous fue arrestado por un tiempo, pero actualmente dirige la rama de las empresas bin Laden en Medina.
Los dos amigos más íntimos del rey Fahd fueron el príncipe Mohammed ben Adullah (hijo del hermano menor de Abdul Aziz ibn Saud) quien murió a inicios de la década de 1980 y Salem bin Laden quien falleció en 1988, cuando un aeroplano en el que estaba volando chocó contra un alambrado eléctrico en San Antonio (Texas). 

Vínculos de negocios entre las familias Bush y Bin Laden 

El controvertido documental Fahrenheit 9/11 de Michael Moore afirma la existencia de fuertes conexiones comerciales entre la Familia Bush y la familia Bin Laden. Moore basa la mayor parte de sus acusaciones en el libro de Craig Unger, House of Bush, House of Saud, que relata cómo Salem bin Laden invirtió en Arbusto Energy, una compañía dirigida por George W. Bush, por intermedio de James R. Bath, el único representante comercial de Salem bin Laden en los Estados Unidos. 

Varios miembros de la familia Bush son inversionistas del Carlyle Group, un contratista militar y fondo de inversión con muchos intereses en el Medio Oriente, dirigido por el ex Secretario de Defensa de los Estados Unidos durante la administración Reagan, Frank Carlucci. Los medios de comunicación destacaron que el ex presidente George H. W. Bush asistió a una reunión de inversiones en el hotel Ritz-Carlton en Washington D.C. el 10 de septiembre de 2001 y, en particular, a una reunión con Shafiq bin Laden quien representaba los intereses conjuntos del Grupo Saudí Binladin y de Carlyle. Si bien Bush no asistió la mañana del 11 de septiembre (aunque algunos han afirmado que la reunión tuvo lugar durante los ataques terroristas del 11 de septiembre), el ex Secretario de Estado James Baker estuvo presente, junto con Carlucci. Los grupos Carlyle y Binladin rompieron mutuamente sus relaciones de negocios el 26 de octubre de 2001. 

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Los 20 cementerios más bonitos de la Tierra

Si “lo único seguro en la vida, es la muerte”; ¿por qué no elegir en vida el lugar donde recibir descanso eterno? No todos los cementerios son lugares tristes y aburridos, algunos disfrutan de vistas al mar, hectáreas de tierra verde, esculturas artísticas y vecinos famosos. Conoce los 20 cementerios más bonitos y curiosos del mundo y las historias que hay detrás de estos lugares santos. Continúa leyendo

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17 feb 2017

Gustav Klimt, el pintor de la alegoría y el simbolismo

Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6 de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

Su vida y obra 

Juventud y formación

Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres). Ya desde la infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían haber heredado tanto de su padre, Ernst Klimt (1864-1892) que era grabador de oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuya ambición frustrada era dedicarse al canto. Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba tanto como las oportunidades de promoción social. Fue por tanto sólo gracias a su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría hasta 1883 como pintor y decorador de interiores. Sus maestros fueron Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los dictados de una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede considerarse académica. En 1877 su hermano Ernst —que con el tiempo se convertiría en grabador, como su padre— también fue admitido en la
escuela. Los dos hermanos, con la compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a trabajar juntos: Hacia 1880 ya gestionaban modestos encargos como un colectivo que se hacía llamar la "Compañía de artistas", colaborando como asistentes de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches Museum de Viena. Klimt comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra.
En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos del Emperador Francisco José I de Austria por su trabajo en los murales del Burgtheater de Viena. Fue nombrado miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena, y para cuando en 1892 su padre y su hermano Ernst murieron, Klimt estaba en condiciones de soportar la carga económica de sus parientes. La tragedia familiar pesó también en su expresión artística, y marcó el inicio de la definición de su estilo personal. A principios de la década de 1890, Klimt conoció también a Emilie Flöge, quien aparentemente soportó las constantes aventuras amorosas del artista y se convertiría en su compañera hasta el final de su vida. El componente sexual de esta relación ha sido objeto de cierta discusión, aunque está documentado que Klimt tuvo al menos catorce niños durante esta relación. 

La Secesión vienesa

Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores —y presidente— de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del colectivo temporal Ver Sacrum (la 'Sagrada Primavera'). La Sezession había surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa —de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud—. Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros. A diferencia de la mayoría de los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas. El grupo encontró cierto apoyo gubernamental —aunque sus obras eran generalmente detestadas— y pudo construir una sala de exposiciones permanente sobre un solar cedido por las autoridades. Los artistas de la Sezession tomaron a Palas Atenea, la diosa griega de la sabiduría y la justicia como su símbolo. Klimt, que realizó una aproximación bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo adscrito a este colectivo hasta 1908.

En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras —Filosofía, Medicina y Jurisprudencia— fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia representación, que algunos consideraron "pornográfica". Klimt adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices provocativos.8 El clamor fue general: protestaron políticos, pero también personalidades relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La universidad decidió finalmente no colocar las obras de Klimt, y éste no volvería a admitir encargos a partir de entonces. Por desgracia las tres obras fueron destruidas por las SS durante su retirada, en mayo de 1945. En 1899, Klimt se confirmó en su estilo: Provocadora y llena de turbadora energía, su Nuda Veritas —la "Verdad desnuda"— suponía un paso adelante en su estética personal, pero también constituía una declaración de principios, casi un desafío, dirigido principalmente a los críticos de su obra más conservadores: El crudo desnudo frontal de una mujer, sosteniendo un alegórico "espejo de la verdad", iba coronado con una conocida sentencia de Schiller:
Si no puedes agradar a todos con tus méritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo. 

Schiller

En 1902, Klimt concluyó su trabajo en el Friso de Beethoven a tiempo para la XIV exposición de los secesionistas vieneses, que se había organizado a modo de homenaje al compositor, y en la que se presentaba una monumental escultura policromada de Max Klinger. Destinado a ser expuesto temporalmente, el friso fue pintado directamente sobre la pared con una técnica ligera. Tras la exposición, sin embargo, el friso fue conservado, si bien no volvió a ser expuesto en público hasta 1986. Al año siguiente Klimt viajó por Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena, y descubriendo los mosaicos bizantinos de las iglesias de San Vital y San Apolinar. Comenzaba entonces lo que algunos críticos han interpretado como la etapa de madurez artística del pintor: liberado de encargos públicos, Klimt había comenzado en 1890 a viajar con la familia Flöge al lago Attersee, donde realizó numerosos
paisajes. Estas obras se convirtieron en una excepción en el corpus de Klimt, dedicado desde siempre a la figura con enérgica devoción:
No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante.

Klimt fue un pintor enérgico y arrebatado, y sus propios parientes comentaban sorprendidos sobre su dedicación:
Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio y se iba a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el trabajo que a menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo consumirían vivo…
Estilísticamente, los paisajes realizados en aquella temporada se caracterizaban por el mismo refinado diseño ornamental y por un enfático uso de motivos compositivos. El espacio pictórico aparece «aplanado» de un modo tan rotundo que algunos críticos han señalado la posibilidad de que Klimt los pintase sirviéndose de algún tipo de catalejo. 

La "etapa dorada" y el éxito de crítica

La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 (Pallas Athene) y su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano, Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del art nouveau centroeuropeo. La aportación de Klimt —representada por El Cumplimiento y La Expectación— significaron el clímax de su energía creativa, y tal como él mismo afirmó, "posiblemente el último paso de mi desarrollo de la ornamentación". Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908). Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad vienesa, normalmente envueltas en pieles. Es posible que muchos de los modelos que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por el mismo artista. Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir túnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de café". Pese a su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo público. Atraídos por su gran fama, algunos clientes que acudían a su casa solían descubrir que Klimt podía permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo.

Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular método de trabajo, tras largas meditaciones y aún más prolongadas sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente erótica de sus obras solía verse "suavizada" por un enfoque alegórico, o simbólico, que la hacía de algún modo más admisible para la pacata opinión pública de la burguesía vienesa. Klimt nunca destacó por su carácter teórico. No escribió apenas nada sobre su visión artística o sus métodos. Del mismo modo, nunca llevó un diario, y su correspondencia se limita a algunas postales enviadas a Flöge.

Vejez y fama póstuma

En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la llamada gripe española, Klimt falleció. El artista, en su lecho de muerte, preguntó por Emilie Flöge, doce años menor que él y con la que nunca quiso contraer matrimonio. En su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín de guerra, decidieron quemar el castillo donde éstas permanecían confiscadas.


Las obras de Klimt han batido algunos récords en las subastas de arte. En noviembre de 2003, un paisaje de Attersee fue vendido por 29 millones de dólares, una cifra que pronto quedó eclipsada por los precios finales de otras de sus obras. En 2006, el primer retrato de Adele Bloch-Bauer fue vendido en la Neue Galerie de Nueva York por 135 millones de dólares, superando así el récord establecido por el Chico con pipa (1905) de Picasso (vendido el 5 de mayo de 2004 por 104 millones de dólares). El 7 de agosto de 2006, la casa de pujas Christie's anunció la subasta de un nuevo lote de obras de Klimt, obras que habían sido recuperadas por Maria Altman y sus herederos tras un largo pleito que les enfrentó al gobierno austríaco. Finalmente, el Retrato de Adele Bloch-Bauer II fue subastado en noviembre de 2006 —convirtiéndose en la tercera obra de arte más cara de la historia—, el Manzano, I (aprox. 1912) fue vendido por 33 millones, el Bosque de abedules (1903) por más de 40 millones de dólares, y las Casas en Unterach, en el lago Atter (1916) por otros 31 millones. En total, las cinco piezas representan un valor total de 327 millones de dólares. 

Estilo y temas recurrentes

La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos abstractos de un carácter sexual inconfundible. Siendo la mujer uno de los temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse con el modelo icónico de la femme
fatale.
Los historiadores del arte coinciden en señalar el carácter ecléctico de su estilo pictórico; y se han apuntado, entre otras, referencias al arte del antiguo Egipto, a la cultura Micénica, a la Grecia clásica y al arte bizantino. Hombre de formación clásica, Klimt no sentía sin embargo reparo en manifestar su entusiasmo por el arte de artistas medievales —como Durero— o exóticos —como los artistas de la escuela Rinpa japonesa—. Sus obras de madurez se caracterizan por un rechazo de sus inicios naturalistas, siendo así que se ha señalado el progresivo desarrollo de motivos simbólicos o abstractos que enfatizaban la libertad de espíritu que impregnó todas las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
Del mismo modo, resulta significativo el valor de la línea en su obra. Sus dramáticas composiciones —utilizando a veces extraños puntos de vista, planos verticales y cortes atípicos— subrayan el carácter innovador de su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que caracterizará el expresionismo posterior.

Legado

La obra de Klimt tuvo una enorme influencia sobre todo el grupo de la Secesión Vienesa. En su papel de líder del grupo, Klimt no solo fue una poderosa influencia para artistas como Egon Schiele, sino que trató de apoyar la obra de estos jóvenes talentos con la institución del Kunsthalle, en 1917, con el que pretendía evitar el éxodo de artistas al extranjero. Su relación con la aristocracia y la intelectualidad vienesas le permitió un contacto estrecho con las personalidades más importantes del continente, como Oskar Kokoschka y Alma Mahler, entre otros.


Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con que se suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible de la moda y la estética contemporáneas. Las astronómicas cifras alcanzadas en subastas de sus obras prueban, en cierto modo, que el éxito comercial de Klimt no ha decaído, un siglo después de su muerte. También se han realizado películas sobre su vida, incluyendo una protagonizada por John Malkovich, fue estrenada el 28 de enero de 2006 durante el Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Holanda). Wikipedia

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Gustav Klimt, el pintor de la alegoría y el simbolismoSocialTwist Tell-a-Friend
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